Currently he is working on a “traveling visual album that lies in between music and cinema”, founded through a Kickstarter-Campaign:

What’s interesting about his development as an artist is, that he completely left his life in Paris behind himself, adopting a nomadic lifestyle for years now. When you see his projects, it seems like he becomes more and more interested in the process of his art&travel&life than in the idea of single artworks. His artworks are more about social interaction and cultural exchange that about a certain format or aesthetic. As he puts it in the NYT-article: “The 20th century was the century of archiving, and the 21st century is about experimenting. My point is exploring traditional sounds and playing with them. That’s what I’ve been trying to do with my films for the past years, taking traditions and not respecting them too much. I call it my quest of experimental folklore.”

Moon as only one example, I see a new type of artist evolving, which travels the world and explores local cultures, but uses the global web to communicate with his/her audience and also gets financed independently through the web (by crowdfunding/donations). Some more examples? Here you go!

Dj Pogo presents World Remix:

Kutiman: In This piece I didn’t browse YouTube, I actually wandered around Jerusalem, met with musicians and filmed them.

Oh, and important to mention is that the nomadic video explorers also benefit from the ever smaller, cheaper, more professional digital technology. If you want see what is technologically possible in terms of travel video these days check out:

‘How to explain it to your parents?’ is a documentary series in which 9 abstract artists explain to their mom and dad what their work is all about.

“The Procrastinators” are monologues about procrastination. Artists, writers and filmmakers tell about concentration, focus and the fine art of wasting their time.

This documentation presents some pretty interesting opinions on where art is heading in the future. It was produced by Gabriel Shalom and Patricia Kommerell of ks12 at the Transmediale exhibition in Berlin. They crowdfund the project, and as their are only to more days left the project is way under it’s financiation goal.

Please support this project now!

What are the defining aesthetics of art in the networked era? How is mass collaboration changing notions of ownership of art? How does micro-patronage change the way artists produce and distribute artwork? “The Future of Art” begins a conversation on these topics and invites your participation.

At this point the curator steps in and is confrontated with the new medium challeging his profession. Not only she herself has to find ways to discover the gems in this ocean of videos, but there are some demanding questions she has to deal with. First of all there are no proper terms for what categories of online video exist. On the internet the borders blur between commercial and private content, amateur and professional and there are no rules how to define their aesthetic qualities.

Read the article here!

Well, it’s maybe ambitious, but again it nurtures my growing scepticism towards interactive storytelling. Whenever the interactive parts disturb the linear narrative, the tension and atmosphere get lost. It feels more like an technology experiment, not like a vivid story.

The new Interview partners come from such different backgrounds as writing, architecture, chocolate manifacturing and vegetable dealing. This diversity is one of the attributes which make FOLGE so special.

Watch this music video from Charlotte Gainsborugh and Beck, it’s directed by Keith Schofield. When I first saw it I was blown away! The video consist of a series of images, every single one telling a unique surreal story. The images are not connected in any way, I was trying to make sense of it, but you really cannot find a connecting concept…because their is none.

When I tried to find out more about the video I got to know that the director works in a similar way I do: He has a folder on his computer where he collects inspirational images from image databases like FFFOUND and other resources. He uses this folder as inspiration and reference when he writes a musicvideo treatment (as I exactly do it myself). So one day he came up with the concept of doing a metavideo about all these amazing pictures in his folder.

“the best music video in the world would be one where it was just a series of incredible, surreal scenes. Each scene would be vastly different, and we would never repeat the same scene.”

In my eyes the video is a meta-commentary on the net as an archive of cultural memory. In the tradition of found footage lots of cultural artifacts pass your way on the net, their origins either unknown or deeply hidden in remixs and remakes. The reapropiration of those visual entities into new contexts is what makes the net a place of a lively discourse, the users now being as literate with image and video as only text was used back in the days.

Interestingly, the director Keith Schofield is insulted to steal ideas from the pictures he used as reference points for his work. You can read the discussion at Antville, it’s very intersting to see such contrary positions on the question of artistic originality. I think is both ridiculous to claim that there’s no artistic originality in Schofields works as it is to claim the existence of artisitc originality at all. Schofield’s video clearly is a piece of concept art, (which is moreover executed stunningly beautiful in terms of props, lighting etc.), the concept itself being the new idea, not the single picture in it. Furthermore you should watch Schofield closely, he publishes all the treatments of his music videos on his website, what proofes that he has nothing to hide, what definately is not common in this industry where good ideas are a hard currency.

But the interesting question here is the one for artistic originality in general. Can any artist today create an unique piece, never seen before? Can a filmmaker create a love scene, without quoting thousands of love scenes he has in his mind? When I develop ideas, images come from my memory, I can’t locate if I they come solely from my imagination or from a movie or a picture or a story or a dream or my FFFFound folder… Who can? The web is the total archive, supplying the artist with the visual history of human mankind - don’t you think this changes the perspective?

If you’d like to dive deeper into the affair between artist, idea & appropriation in the commerical world see this presentation:

One more personal question remains: Why do I feel so emotionally attracted to a fragmented series of images wihtout any connecting sense?

Ich kenne mich weder mit Malerei oder Botticelli besonders gut aus, noch habe ich vor, diese Austellung zu besuchen. Trotzdem sehe ich Anlass, auf diese Seite hinzuweisen, die prominent bei tagesschau.de verlinkt wurde.

Es gab im öffentlich-rechtlichen Fernsehen früher die wunderbare Sendung 1000 Meisterwerke, in der in 10 Minuten jeweils ein bedeutendes Gemälde vorgeführt und dessen Besonderheit erläutert wurde. Dabei sah man nur das eine Gemälde in seinen Details, dazu ein Off-Kommentar. Ich habe die Sendung leider nur ein-, zweimal gesehen, aber sie hinterließ einen bleibenden starken Eindruck. Die formale Reduziertheit, der nüchterne aber eindringliche Kommentar und das Gefühl, etwas “Außerordentliches” zu erfahren, sind vielleicht der Grund. So richtig gutes Fernsehen mit erfülltem Bildungsauftrag.

Das Projekt zur Botticelli-Ausstellung erinnert mich daran. Nur überzeugt mich die Umsetzung leider nicht.  Zu Beginn werden vier Männer vorgestellt, die aus unterschiedlicher Sicht (Museumsdirektor, Kurator, Restaurator, Kunsthistoriker) auf ausgewählte Arbeiten Botticellis blicken werden. Dazu treten die Herren in eine Art virtuelle Galerie. Jeder von ihnen sagt dann sowas wie “Wenn sie… erfahren wollen… dann klicken sie hier”. Und das sagt schon sehr viel über diese Seite. Sie wendet sich in ihrer Aufmachung und Anmutung definitiv an ein “älteres” Publikum, dem man meint, die Sache mit der Interaktion immer wieder erklären zu müssen. Mir als jungem Menschen stößt das unangenehm auf, bekomme ich doch damit gleich den Eindruck vermittelt, das sei nichts für mich. Dies wäre ja aber eigentlich noch nicht schlimm, aber im weiteren Verlauf wird das Gefühl von Staub und Muff und Provinzalität (Stichwort: Rentnerfernsehen) noch verstärkt. Die Sprache der Herren, ihre Erscheinung… die vier Herren fühlen sich offensichtlich in ihrer Rolle nicht wohl. Wie gute Ausstellungsführer schildern sie Anekdoten und Wissenswertes, aber sie wirken sehr unlocker dabei, was wohl an dem für sie ungewohnten Acting für die Kamera, die hier ein starres Korsett vorgibt, liegt. Auftritt, Abtritt, ganzer Körper, Hand betont “lässig” in der Anzughose… Das sieht so gezwiungen aus und lenkt mich nur von den Inhalten ab. Warum soll ich diese vier Herren sehen wollen? Und warum sind scheinbar nur Männer befugt, über “Das Rätsel Frau” bei Botticelli zu sprechen? Langweilig.

Das Themenspektrum ist zwar spannend. Die Idee, den Zuschauer selbst entscheiden zu lassen, welche Information ihn am ehesten anspricht (ich will hier nicht von interaktion sprechen) und diese Informationen mit Sprechkommentaren zu übermitteln und anzureichern, finde ich grundsätzlich gut. Aber mir scheint, dass die bewegten Bilder (der vier Herren) überflüssig sind und die Ideengeber über das Ziel hinausgeschossen haben. Bewegte Bilder um jeden Preis brauch ich nicht. Ich befürchte, dass der Trend “Hauptsache Video” ähnlich groteske Züge annimmt, wie seinerzeit die unsinnigen Flash-Intros vor jeder Webseite.

Auf der Seite des Städel-Museums finden sich zwei viel aussagekräftigere “echte Filme” über die Ausstellung (die man leider nicht embedden kann). Darin wird der Ausstellungsraum deutlich und die komplexen Zusammenhänge zwischen den Bildern, also auch die kuratorische Idee des Ganzen wird deutlicher. (Wer übrigens doch zu der Ausstellung gehen kann/will: auf der Seite kann man auch Audioguide-Dateien zu einigen Bildern als .mp3 herunterladen, auf den iPod ziehen, los gehts…)

Zum Schluss noch: Neuerdings müssen die Webseiten-Inhalte der öffentlich-rechtlichen Sendeanstalten ja zwingend “sendungsbezogen” sein. Die Sendung zu der Ausstellung hab ich bisher allerdings nicht gefunden… Auch verstehe ich nicht, wieso über diese Ausstellung nur die Ausstellungsmacher zu Wort kommen. Ein “unabhängiger” öffentlicher Sender sollte doch in der Lage sein, auch analytisch und vielleicht sogar kritisch über die Ausstellung zu reden. So sieht es nach städtischer Klüngelei aus, die einzig dazu dient, die Eventmaschine Kunstausstellung für alle gewinnbringend anzukurbeln. Mit einer fetten crossmedialen Berichterstattung, yeah. Schade.

Oder seh nur ich das so?